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出典：Ed SophのFaceBookより抜粋
Ed Soph (エド・ソフ)
1945年3月21日、カリフォルニア州コロナド生まれ。テキサス州ヒューストンで育つ。
1963年にノーステキサス州立大学（ノーステキサス大学）に音楽専攻として入学したが、2年生の時に専攻を英語に切り替える。在学中、ワン・オクロック・ラボ・バンド、グレン・ミラー・オーケストラ、そしてスタン・ケントンと共演。1968年に卒業し、キャノンボール・アダレイからの推薦でウディ・ハーマンに参加。1971年にニューヨーク市に移り、フリーランスでの演奏と録音を始める。
クラーク・テリー、ビル・ワトラス、ビル・エヴァンス、マーヴィン・スタム、ランディ・ブレッカー、ジョー・ヘンダーソン、パット・ラバーベラ、ビル・メイズ、シーダー・ウォルトン、デイヴ・リーブマン、クリス・ポッター、カール・フォンタナ、スライド・ハンプトンと共演。
後にジェイミー・エイバーソルド・ジャズ・ワークショップ、ナショナル・ステージ・バンド・キャンプ、そしてブリッジポート大学での教職に就きながら、教育者としてのキャリアを追求し始める。
1987年にテキサス州に戻り、ノーステキサス大学でジャズスタディーズとパフォーマンスを教え始める。
2016年にパーカッシブ・アーツ・ソサエティの殿堂入りし、2017年に引退。彼の元の学生には、アリ・ホーニグ、キース・カーロック、クリス・デローザ、ジェイソン・サッター、デイヴ・ウェクルがいる。
かつてエドに師事したドラマーは
- アリ・ホーニッグ
- キース・カーロック
- デイヴ・ウェックル
と素晴らしい方々ばかり…！
ジャズドラマーとしては
- クラーク・テリー
- ビル・ワトラス
- ビル・エヴァンス
- ランディ・ブレッカー
- ジョー・ヘンダーソン
- シダー・ウォルトン
- デイヴ・リーブマン
- クリス・ポッター
- スライド・ハンプトン
など錚々たるメンバーと共演しています。
下記のタイトルにある通り、書き置きの様な形です。
そのままの順番で翻訳すると読み進め難い部分がありましたので、自身で順番を変えております。
ドラムセットでの演奏、プレイ、即興についての五十年間の「ランダムな思考」
エド・ソフ – Ed Soph
✔︎もしあなたが、すぐに自分や先生が満足するような演奏ができないとしたら、それはその素材が新しいからであって、難しいからではありません。
新しい練習やテクニックには、新しい考え方、聴き方、動き方が必要です。自分が何をしているのか、どのようにそれを行っているのかを考えれば考えるほど、問題解決のテクニックは向上します。
自分の音楽的、技術的な限界を認識するスキルを身につけ、その限界を克服する方法を学ぶのです。
✔︎新しい曲はゆっくり練習することが、習得への近道です。ゆっくり練習することで、自分がやっていることを考える機会が得られます。
４分音符＝40～50で演奏できなければ、そのパターンを本当にマスターしたとは言えません。
✔︎練習とは音楽的・技術的な弱点を練習するのであって、強みを練習するのではありません。練習しているときに良い音が出れば、それは本当の練習ではありません。
✔︎演奏のための練習をしましょう。
動きのスキルは、試行錯誤を繰り返し、実際に演奏しながら修正、調整、適応することを学ぶことで身につきます。フォーム、スタイル、テンポ、ダイナミクス、リズム、メロディといった音楽的な枠組みを練習に応用することで、音楽的な練習ができ、バンドスタンドでの要求に備えることができます。
✔︎ドラムを演奏するのは、手や足ではなく、あなたの脳です。
✔︎演奏する前にパートを「歌う」。あるパートを弾きながら別のパートを「歌う」。
✔︎一貫した時間の感覚を養うために、メトロノームを使って練習しましょう。
✔︎コントロールは「きつさ」ではなく、「ゆるさ」の度合いから生まれます。
✔︎ダイナミクスやテンポの “コンフォート・ゾーン(やりやすい状況)”での練習は避けましょう。
✔︎反復であれ非反復であれ、書かれたものであれ即興であれ、演奏しているものすべてを聴くこと。
✔︎練習曲を構成要素に分解してみましょう。
パターンを全て演奏する前に、個々のパートを演奏することで、演奏のプロセスを頭で理解することができます。
✔︎テクニックは手書きのようなものです。私たちは皆、字を習ったときに、同じ基本的な字形を作ることを学びました。
しかし今、私たち全員がユニークな字体を持っているのは、その基本的で基本的な字形を個性化し、自分の「手」を作り上げたからです。
ドラムのテクニックも同じで、基本的なフォームを学び、内面化し、音楽的なイマジネーションを働かせれば、自分自身の音楽的な「手」を見つけることができるでしょう。
✔︎忍耐強く。上達とは、完了することではなく、実行することであることを忘れないでください。
間違って “弾いたからといって止めないでください。もしあなたが演奏したものが時間通りなら、それは即興であり、間違いではありません！流れに身を任せましょう。あなたの脳が最初に弾きたかったものが出てくるように。それがあなたの演奏です。
そして元の練習に戻りましょう。最終的には、練習中に音楽的に間違いを犯すことを自分に許したので、練習曲のいくつかのバリエーションができあがるでしょう。実際にバンドで音楽を演奏するときにも同じプロセスが発生するので、それに慣れてください！
✔︎熟練したミュージシャンの演奏を聴くときは、常に “なぜあの人はあんなに良い音を出すのだろう？”と自問してみましょう。他の人の演奏の良いところを聞き分けられるようになれば、自分の演奏にもその良さを取り入れることができるようになります。
✔︎思慮深く練習する。熟達したプレイヤーは、練習、演奏、そして自分の楽器や音楽について考えることに最も多くの時間を費やしてきた人たちです。
彼らはまた音楽のレパートリーを徹底的に聴いてきた人たちでもあり、手や足と同じように耳も発達させた奏者です。
✔︎音楽の過去を探求してみましょう。それが現在を理解する助けとなり、自分の音楽の未来を描く指針となります。
✔︎ジャズ／ビ・バップのドラミングの基本は、タイムとコンピング・フィギュアをバランスの良い音で演奏することです。
ライド・パターンはベース・パターンに、コンピング・フィギュアはピアニストやギタリストが演奏する伴奏に類似しています。
音楽的なジャズのリズム・セクションでは、ピアノ／ギターとベースがダイナミックにバランスをとっています。
そして、そのバランスを変えるような音楽的選択をしない限り、同じリズム・セクションがキット上でヴォイシングされても、同じようにバランスが取れているはずです。
若いドラマーがライドシンバルをスネアやバスドラム、ハイハットよりも大きな音で叩いているのをよく耳にします。その理由を尋ねると、ライドシンバルは “タイムキーパー “であり、ダイナミックに目立つべきだと答えました。
反復であれ非反復であれ、演奏しているすべてが時間を守っているのだと認識することで、この問題は解決します。実際のリズム・セクションの文脈では、ベーシストがピアニストやギタリストをかき消すようなものです。
✔︎音楽／リズム・セクションのダイナミクスのレベルはアクセントのレベルです。
アクセントにはダイナミクスがあり、アクセントはソフトにもラウドにもなります。
音楽的アクセントの鍵は、アクセントをつけたい音符の周りに柔らかい音を置くことです。リズム・セクションがmfを演奏しているときに、ある人がffのアクセントを演奏すると、リズム・セクションのタイムが乱れてしまいます。
ダイナミクスの一貫性は、安定したタイム・サウンドの基礎のひとつです。
✔︎「フィル」はソロではありません。リズムセクションを演奏しており、タイムキープの一部です。
ビッグバンドのチャートのように、音楽にダイナミックな変化を与えるのでなければ、”フィル “はその前後のタイム・キープよりも小さくしたり大きくしたりすべきではありません。
若いプレイヤーは特にタムを使った “フィル “をキットの後ろにもう一人ドラマーがいるかのように、自動的に大きく演奏してしまうようです。
✔︎ビッグバンドの演奏は、
- 読むこと
- 演奏しながらアンサンブルを聴いて読んだことを解釈すること
- フィルやセットアップを即興で演奏すること
の3つのプロセスで成り立っています。
チャートのアンサンブル・フィギュアのリズム・ボキャブラリーが、あなたのアドリブの内容を決定します。
それは本当の意味でチャートを演奏することであり、音楽とは何の関係もない暗記されたフィル・パターンに頼ることではありません。チャートではなく、音楽を演奏しましょう！
✔︎より多くの音符や速い音符を演奏することは、必ずしも大きな音で演奏することを意味しません。
音だけでなく、静寂や空間を使って即興演奏することも学びましょう。
“私は何を省くことができるか耳を傾ける”。by マイルス・デイヴィス
✔︎ドラム・セットについてどう考え、何を聴き、その楽器の音楽的過去について何を理解しているかによって、その楽器を音楽的にどう演奏するかが決まる
✔︎楽器で自分の「声」を見つける前に、「頭」(心)を持たなければなりません。
自分が何をしたいのか、どのようにしたいのか、どのように響かせたいのかという自分なりのコンセプトを持つことです。
音楽的な “声 “を持っている他のドラマーを研究することは、自分の “声 “を見つけるのに役立ちます。
エルビン・ジョーンズ、ロイ・ヘインズ、ビリー・ヒギンズ、ピート・ラロカ、フィリー・ジョー・ジョーンズは皆、素晴らしくもあり、また違ったサウンドを持っています。
彼らに共通する音楽的特徴は何だと感じますか？それが、あなたが感じる演奏に取り入れたい特徴です。
✔︎間違っても、音楽を勉強するときにドラマーの音だけを聴いてはいけません。
それでは、バンドスタンドで自分の演奏を聴く訓練をしているようなものです。
あなたが真似しようとしているドラマーは、自分の演奏を聴いているのではありません。他のミュージシャンの演奏を聴いているのです。ドラマーが演奏している音楽環境に常に耳を傾けてください。
✔︎曲のメロディーとフォームを知りましょう。
ベーシストとドラマー、ピアニスト／ギタリストとドラマー、ソリストとドラマーに耳を傾けましょう。
✔︎ドラムではなく、音楽に没頭できる技術力と自信があれば、それがバンドスタンドで起こることです。
あなたが知るべきこと、聴くべきことはすべて音楽の中にあります。音楽や音楽の中の静寂が、何を演奏すべきか、何を演奏すべきでないかを示唆してくれます。
✔︎何をどのように演奏するのか、音楽的な理由を持ってください。そうしないと、特にコンピングの概念がないスネアでは、”フィラー “(フィル)を演奏することになります。
演奏するものすべてに意図があるべきです。スネアの “フィラー “やソフトな “チャタリング “(ゴーストノートや装飾音符など)は、習慣ではなく選択であるべきです。(自分のテクニックが多くのテンポやダイナミック・レベルで自発的に選択できるように練習しましょう）
✔︎模倣は即興ではありません。もしあなたが、あなたが言ったことをただ繰り返すだけの人と会話をしたと想像してみてください。明らかに、アイデアの交換はないでしょう。
駆け出しの頃、私はソリストのリズムのアイディアを真似ることで、その人と「交流」し、会話していると思っていました。私はソリストに、自分が本当に聴いていることを”示したつもり”でした！
しかし、ある年配のピアニストは、気を使って私にこう言いました。
「バンドの他のみんなと同じように曲を弾けばいいんだ！」
そのときから、誰かが弾いたものを真似るのではなく、本当に即興で演奏するようになりました。
✔︎「正しい」「間違っている」では、即興の自由は育たない。
「適切」と「不適切」がそうであり、繰り返されるが、それは「選択」の問題である。
✔︎演奏するときに自分だけでなく音楽に耳を傾ける自由を得るためには、ダイナミクス、テンポ、サウンド、スタイル、レパートリーなど、幅広い音楽的語彙を持たなければなりません。このボキャブラリーがなければ、他のミュージシャンとコミュニケーションをとることはできません。
このボキャブラリーを持っていないときに現れる弱点は、音楽的な状況で正しく聴こえないため、自分自身に耳を傾けることを余儀なくされます。
✔︎最後に、自分の動きによって音が出るということを忘れないでください。
ドラミングは動きから成り立ちます。滑らかで、タイミングが合った動き（ストローク）は、滑らかで、タイミングが合ったリズムと音を生み出します。
ストロークの音を出さない部分であるアップストロークが、音を出す部分であるダウンストロークのサウンドを決定します。アップストロークもダウンストロークと同様に注意深く考えましょう。
いかがでしたでしょうか？
音楽歴が長い方ほど心に刺さる言葉が多かったのではないでしょうか？
個人的にはこの言葉が残りました。
「正しい」「間違っている」では、即興の自由は育たない。
「適切」と「不適切」がそうであり、繰り返されるが、それは「選択」の問題である。
日頃思っていたこと、やってしまっていたことが多く重なり、気持ちが改められた気がします。 エド・ソフの迷った時に見返したい金言集でした！
